Progression: Teoría Musical 110 – Desarrollo, Motifs y Repetición

- Posted May 12th, 2018 by

Artículo original de Tuberz McGee. Traducción al Español por Pixel_Guy.

Hola, Amigos y Amigas:

Estoy de regreso en el estudio reorganizando mi tutelaje musical para ustedes, chicos, y justo he recordado que a esta fecha he estado escribiendo para esta página por más de un año. La vida es buena.

El mes pasado vimos la idea de hacer pivotes hacia áreas tonales aparentemente no relacionadas. Supongo que están conscientes de que les recomiendo que vayan y revisen mis artículos pasados, ya que estos pueden ayudarles a contextualizar todo lo que hemos aprendido hasta ahora. El tema de este mes es uno muy interesante. No es un tema de teoría musical per se, es más bien una habilidad que se necesita para la arquitectura musical. Hablaremos del concepto de desarrollo melódico y crear música que desarrolle su propio material de forma cohesiva.

Vamos a ello.

Tengo la extraña sensación de que me estoy aferrando a todo esto de las “imágenes raras de partituras”.

¿Qué es un Motif?

Excelente pregunta. El concepto de los motivos (o motifs) en música se remonta a la época de la Ópera Wagneriana (inclusive cuando ya era utilizado en música anterior a este periodo), donde fue identificado con el título de “Leitmotif”. Los Leitmotifs eran pasajes musicales que representaban un personaje, un lugar o inclusive una situación. Cuando fuera que este pasaje musical apareciese el personaje citado en cuestión aparecería y así sucesivamente. De hecho hay muchas cosas que decir sobre el uso de los Leitmotifs en la música de videojuegos. Juegos de gran renombre como “Undertale” los utilizan. Los motivos musicales pueden ser encontrados en música *muy* antigua (estamos hablando de música pre barroca aquí, amigos), pero el día de hoy daré un vistazo a un ejemplo de esto aplicado a Beethoven. El Primer Movimiento de la Quinta Sinfonía de Beethoven es un trabajo icónico que muestra el concepto de un motivo (o motif) BASTANTE bien. Primero me gustaría pedirte que escuches el primer minuto más o menos. Entonces daremos un pequeño vistazo a la partitura. Aquí está la primera página:

Todas las notas resaltadas en rojo son reapariciones o desarrollos del motivo. Iremos a ello en un segundo.

Me arriesgaría a decir que el noventa por ciento de las personas ha escuchado esos primeros cuatro compases de música. Beethoven ha hecho esto de manera brillante para así darnos el primer motivo de su quinta sinfonía y luego proceder a usar todo lo que salga de él por los próximos cinco a diez minutos. El motivo entero está basado en el ritmo de tres corcheas seguidas de una negra unos cuantos tonos abajo. De los compases seis a catorce restablece el motivo constantemente en la sección de cuerdas usando el concepto de tres notas cortas y luego una larga unos tonos abajo. Es entonces que hace algo interesante.

A partir del compás quince las primeras tres partes de violín continúan tocando el motivo con una pequeña variación; añaden una nota de paso entre la primera nota y la última negra. Nada drástico, está bien. Entonces decide que los violines cuatro, cinco y seis invertirán esta línea comenzando en una nota y pasando a una nota por encima al llegar a la negra. El ritmo es el mismo, pero el contorno de la melodía es completamente diferente; es un reflejo perfecto de lo que había antes.

Este es un excelente desarrollo motívico. Beethoven tomó lo que ya tenía y lo reutilizó.

¿Por qué deberías de usar Motifs? Suena complicado e innecesario

El concepto de lo que es un motivo no es de lo que trato de hablar aquí. Mi argumento es que puedes decir más o menos. Puedes escribir una canción con cuarenta ideas musicales (sin importar que tan buenas sean), pero solo te debes concentrar en una o dos, quizá tres y entonces desarrollarlas. Encuentra diferentes formas de tomarlas y hacerlas más de lo que ya son. Veamos algunos ejemplos.

Aumento/Disminución del Ritmo

El Aumento y la Disminución del Ritmo es el concepto de tomar un fragmento musical y contraer y extender la duración de su ritmo. Un gran ejemplo del uso de esta técnica puede ser encontrado en el fantástico track de Danimal Cannon “Axis”. Superpone su fragmento musical principal con otro canal con onda de pulso tocando la misma secuencia de notas al doble de la velocidad (reduciendo a la mitad su duración). Visualmente se ve así:

¿Todo eso *Y* además hace que el audacity cambie las signaturas de compás? ¡Amigo, tenemos que recuperar el tiempo que hemos perdido!

Aumento/Disminución de Intervalos

Debes suponerlo por su nombre, pero en caso de que la terminología sea desconocida para ti todo esto se trata de contraer o expandir las notas dentro de un pasaje musical  basado en su contorno. Las notas de la melodía pueden acercarse o alejase entre sí, pero lo que harán será, por lo general, mantener alguna especie de jerarquía de proximidad entre ellas. Por ejemplo; si una melodía va Do, Sol, Si puedes hacer que baje a Do, Mi Sol. Es frecuente el que se trate de evitar Do, Fa, Mi porque el Si original estaba mucho más lejos de Do de lo que estaba Sol.  Puedes observar una gran muestra de esta disminución interválica en el ejemplo de Beethoven que puse arriba. El motivo principal baja una tercera (mayor o menor, depende de la nota donde inicie en una escala diatónica), aunque hay partes donde baja una segunda en su lugar; como en el compas siete del violín dos.

Retrogresión

La técnica que sigue es una que es muy divertido utilizar y de la cual aliento el que experimenten con ella. La Retrogresión es cuando pones en reversa una secuencia de notas. Por ejemplo; si vamos a utilizar el material musical de “Axis” debemos utilizar en reversa primero el compás en 6/8 y luego el compás en 5/8. Aquí hay un ejemplo de lo que digo:

Puedes usar solo una sección de esta versión retrograda del tema principal. Las posibilidades son infinitas.

De hecho, si de verdad te gusta la idea de la retrogresión, podrías escuchar EL NUEVO ÁLBUM SÚPER GENIAL DE STEMAGE: “RETROGRESSION VOL. 1”, el cual está dedicado enteramente a este concepto y está MUY bien ejecutado. También debería decirte que puedes utilizar otra técnica llamada “inversión”; en la que mantienes el material musical, pero cambias el contorno de la melodía. Usa tu oído para saber cual funciona mejor en cada contexto.

Añade Notas

La siguiente puede que sea la más fácil de todas estas técnicas. Solo añade notas, cámbialo a 7/8 por ejemplo. Usa notas de paso, haz una corchea dos semicorcheas. Cosas realmente simples, pero aún increíblemente reconocibles porque están basadas en ese material musical principal; solo añadiste (o quitaste) un elemento o recontextualizaste el motivo. Aquí hay otro ejemplo usando “Axis”.

Honestamente esto es muy simple, pero es una gran forma de crear más cosas a partir de las ya existentes.

Quiero continuar con esto diciendo algo que me gustaría haber aprendido mucho antes en la vida. Como compositor usas estas herramientas para crear, editar y redefinir tu música. No dejes que las herramientas te usen a ti. Si algo no te funciona del todo o no suena bien ¡cámbialo! Tu oído, tu gusto y tu juicio personal son mucho más importantes que unas cuantas reglas y lineamientos. Siempre recuerda eso.

Espero que hayan aprendido algo de este artículo y que los haya inspirado a desarrollar su propio material musical. Por favor, comparte cómo te ha ayudado este material a través de tu propia creación. Si tienes dudas, recomendaciones de temas o solo quieres compartir lo que has aprendido mantente en contacto conmigo a través de tuberzmcgee (arroba) gmail (punto) com. Siempre estoy feliz de escuchar/leer/ ayudar. Sé que dije que hablaría de otra cosa este mes, pero sintonícenos el próximo para discutir sobre el uso de la melodía y su impacto en el paisaje armónico. Es solo que quería hablar del desarrollo motívico, ya que es una parte importante de la composición que muy a menudo veo que se pasa por alto.

Ciao~!

Tuberz
xoxo

Dig this article? Then consider supporting us on Patreon!